Tertulia con creadores de Rey Misterio contra la Oscuridad

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Y arrancamos las tertulias de este año con una mesa virtual, trasmitida por Twitch, con los creadores de la serie Rey Misterio contra la oscuridad que, si todo sigue bien, se estrenará pronto a través de las plataformas de Cartoon Network, tanto el canal de televisión como por HBO Max.

Con la presencia de Jakora, ejecutivo de Cartoon Network Latinoamérica, y de los Hermanos Calavera, creadores de la serie, durante la llamada platicamos de los orígenes del proyecto y sus avances, pero sobre todo el modo como han abordado el reto, los problemas nuevos que se han enfrentado, y las ambiciones que tienen para este proyecto a nivel global.

Sobre la serie

Rey Misterio contra la oscuridad es una serie muy querida por la comunidad, pues literalmente surgió y se fue construyendo a partir de los espacios y las relaciones creadas alrededor de Pixelatl a lo largo de los años, hasta que se concretó y aprobó el proyecto, y se dio a conocer en el festival Pixelatl de 2020.

Un año después, a finales de 2021, (y justo el día que culminaba CCDConecta 3), se hizo un preestreno del primer episodio. El piloto se transmitió por los canales de Youtube de Cartoon Network, y aprovechando que terminaba la última jornada de actividades presenciales de CCDConecta, lo pasamos en la pantalla del escenario y con todo sonido para los asistentes, como una manera de cerrar con broche de oro el evento.

Durante la tertulia, los participantes platicaron de la narrativa, la animación, cómo se cuenta la historia.

El México exportable

Rey Misterio contra la oscuridad es una serie original de acción y comedia que, a decir de los Hermanos Calavera, “tiene a México en el centro” y la perspectiva de lucha libre (“el deporte, la emoción y el drama de la lucha libre”).

Explicaron que incluso la gráfica del poster de lucha libre, que es muy emblemática, permea al arte de la serie, pues el origen de la serie es la lucha libre, pero también México.

“Lo que buscamos es lo que llamamos México exportable, que en resumen es algo que sabe a México, que muestra México, que para los mexicanos está llena de guiños y cosas que podrán reconocer, pero que si eres alguien que no sabe nada de México puedes entenderlo y disfrutarlo igual.

Para ilustrar el punto, puso como ejemplo Kung Fu Panda: que muestra a China en toda su estética y narrativa, pero que a la vez cualquiera que no sabe nada de China entiende y disfruta la historia. O también Miracoulus que es una serie francesa que sucede en Francia, que se siente y usa a Francia como referencia, pero que es un producto que puede verse, entenderse y disfrutarse en todo el mundo.

Esto no quiere decir que el show se limita al contexto latinoamericano: La ambición del show es que tenga impacto en todo el mundo.

Nuevas Oportunidades para los creadores latinoamericanos

Durante la tertulia Jakora, de Cartoon Network comentó que ha habido ajustes en la manera como desde la compañía distribuyen su contenido. Empezando por el lanzamiento de HBOMax, que ha hecho que se enfoquen los esfuerzos para contenidos como Rey Misterio contra la Oscuridad, que es punta de lanza que va abriendo camino para la industria latinoamericana en la compañía global.

En esta estrategia, Jakora explicó que, gracias a la plataforma, ahora los proyectos latinoamericanos tienen más visibilidad en otras latitudes -de la misma forma que proyectos de otros lugares tienen mayor presencia en México.

Por su lado, los Hermanos Calavera hablaron de la constante necesidad de sumar talento al desarrollo del proyecto. Para todos los creadores de Latinoamérica, hay incluso una plataforma donde publican las vacantes que van requiriendo cubrir, con necesidades constantes y casi permanentes. El portal es: reymysteriobusca.com para ver las vacantes que tienen todo el tiempo.

En el momento de la tertulia, sus principales vacantes eran para Storyboard, Character Design, Character Layout y Supervisores, entre otros.

Inspiraciones al narrar y producir

Ya entrando en materia, durante la charla los Hermanos Calavera también explicaron de las influencias para la narrativa visual y estética de la serie: igual que todos los latinoamericanos, crecieron en un contexto precarizado en lo económico, y viendo animación norteamericana y japonesa. Esos tres ejes se han hecho presentes en el proyecto.

Por ejemplo, explicó que tomaron de la animación norteamericana elementos del humor y los esquemas de producción, pero sobre todo la manera de contar la historia: cómo se lleva la narrativa. Por otra parte, de la animación japonesa tomaron la manera en que resuelven las secuencias de acción y los momentos de gran drama.

Finalmente, de Latinoamérica -además de, por supuesto, inspirar la historia tanto a nivel conceptual como visual y, tal como se dijo antes, el contexto en que se desarrolla- tomaron también la manera de aprovechar los recursos, tal como lo hacemos en la región: operar buscando hacer lo más con los recursos que tienen. Es así como han ido resolviendo el desarrollo del proyecto.

Explicaron que llevan trabajando en el proyecto muchos años, y que hacer entender este concepto que mezcla animación norteamericana con japonesa con sabor mexicano, les costó mucho trabajo. Sin embargo, una vez que lo entendieron, y que hablaron de referencias que tenían, el equipo de Cartoon Network Latinoamérica les acercó grandes animadores de otros estudios como mentores que les han ayudado a organizar el trabajo y aprovechar mejor los recursos.

La comunicación es esencial

Durante la tertulia mostraron dos ejemplos en la realización de secuencias para ejemplificar lo dicho. Y si hubiera que elegir un mensaje global de todo lo dicho, este sería sobre la importancia de la comunicación en todo el pipeline.

Producir animación requiere involucrar mucho talento en muchos proceso que a veces se alargan, y poder pasar la información de manera asertiva de un equipo a otro, de un momento a otro, de una secuencia a otra, resulta un asunto que ahorra tiempo y recursos.

Contó que algunos errores de comunicación habían resultado en pérdidas de tiempo, dinero y paciencia, que complicaron partes del proceso. Por ello, cuidar la comunicación, dedicar trabajo en el modo de pasar la información correctamente, resulta ser una inversión que redunda en ahorro de dinero y en una mejor sanidad mental.

En ese mismo sentido, todo empieza desde el guion. Cuando recibieron asesoría de creadores internacionales, una de las primeras cosas que les dijeron fue que sus guiones eran más largos de lo que deberían ser. Así que hay que volver al guion y repensarlo estableciendo locaciones, situaciones y personajes, y todos los elementos que se necesitan para contar la historia, lo que ayuda a evitar dolores de cabeza y trabajos que eventualmente podrían terminar descartados.

El guion de las escenas de acción se trabaja diferente que el de las escenas de diálogo (o las que establecer las situaciones de la historia). Al momento de ir al storyboard, cada secuencia debe pensar en el siguiente proceso, y todo el tiempo en dar la información suficiente para que los animadores puedan trabajar mejor enfocados.

En las escenas de diálogo y de comedia, desde el storyboard se define la información fundamental, sobre todo que el acting de los personajes esté claro. Se define ambientación, encuadre y proporción, pero sin trabajar tanto en el modelo -porque eso lo harán los animadores. Lo fundamental es resolver en el board todas las cuestiones fundamentales: cómo se mueven en el cuadro, cómo reaccionan, lo que sucede, etc., sin llegar a la animación.

El mérito no está en sufrirle por entregar ahí una obra de arte, sino en saber contenerse para resolver lo indispensable dado los recursos disponibles y el tiempo.

En cambio, en las secuencias de acción se hacen más bien thumbnails muy sencillos (en algunos casos apenas unas cuantas líneas indicando posiciones de personajes y encuadres) que buscan una primera aproximación a la visualización de la escena. Aunque sencillos, cada thumbnail debe comunicar qué está sucediendo, que es lo que tenemos que ver en pantalla para entender lo que pasa en la secuencia. Y no se necesita más información que esta: una noción general de hacia dónde va la escena, lo que hacen los personajes y, sobre todo, cómo se entiende la acción.

No es necesario un board más detallado porque en esta etapa, en ese proceso de Thumbnails, en realidad se están tomando decisiones de narrativa y timing sin la necesidad de haber aún invertido demasiado tiempo y dinero.

De ahí pasan a un animatic que será visualmente más detallado, donde ya se muestran de manera más clara las expresiones en los personajes, los ajustes de los encuadres, el timing, etc. Así, una vez que se pasa a la animación, los procesos fluyen mucho mejor, porque ya está ahí la información necesaria. De hecho, si se compara la animación con el animatic, se nota que todas las decisiones ya se habían tomado, y todo estaba resuelto prácticamente desde los thumbnails.

Pero lo más importante: “Tenemos que asegurarnos que a través de las diversas fases del pipeline, la información se conserve, que no se pierdan las intenciones que se definieron en los primeros pases.”

¡Puedes sumarte al equipo de Rey Mysterio!

Al cierre de la tertulia hablaron de nueva cuenta del talento que necesitan para poder concretar el proyecto. Aunque en diversos momentos han podido sumar talento emergente, ahora lo que buscan con más apremio son posiciones que cuenten con algo de experiencia para ayudarles sobre todo en tareas de supervisión. Pueden colaborar personas de todo Latinoamérica.

De cualquier modo, en el portal reymysteriobusca.com publican constantemente las vacantes que tienen. Así que si quieres sumar y participante, no dejes de consultarlo frecuentemente.

Estamos muy emocionados de lo que vimos y de lo que sabemos que viene.

¡Muchas felicidades a todo el equipo creativo que está haciendo de esta serie una realidad!